Lançamentos

No site da Revista de Dança (www.revistadedanca.com.br), você acompanha os lançamentos de livros e vídeos nacionais e internacionais.

Nesta semana, duas ótimas dicas:

- (IN)VISÍVEL REAL, do artista visutal e pesquisador de cinema Tom Lisboa, que marca os 30 anos da montagem do balé O grande circo místico, do Balé Teatro Guaíra, de Curitiba.

- Terceiro Sinal - ensaios sobre a São Paulo Companhia de Dança, que comemora os quatro anos do grupo e também é o terceiro volume de textos concebidos a partir do seu trabalho. O livro tem textos de diferentes nomes das áreas culturais: Alcino Leite Neto, Alberto Martins, Daniel Galera, Eliana Caminada, Inês Bogéa, Marcela Benvegnu, diretora da Revista de Dança, Sidney Molina e Sayonara Pereira.

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Estamos no ar

Muitas novidades. Faça uma visista:
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Está perto

Não percam, dia 09 de março, próxima sexta-feira, a nova Revista de Dança.
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Esperamos vocês por lá!

Estamos chegando

Em breve, http://www.revistadedanca.com.br/

Vamos dançar?

Novidades

Em breve, o blog reformulado. 2012 está cheio de novidades para a dança. Não percam, a partir de março!
Antes que seja tarde, Feliz Ano Novo!
abraços e até lá,
Flávia e Marcela

Universo masculino

Por Flávia Fontes Oliveira

Sociedade Masculina, Entre o Corpo e o Azul. 
Foto: divulgação

Meio em cima da hora, mas par quem está em São Paulo, vale a pena hoje e amanhã, dias 09 e 10, no Teatro Sérgio Cardoso, a apresentação da Sociedade Masculina de Dança, com a estreia de Tão, de Jomar Mesquita, e Entre o Corpo e o Azul, de Henrique Rodovalho.

É uma companhia formada apenas por homens, vindos de todo Brasil, dirigida por Anselmo Zolla e Vera Lafer. As duas coreografias da noite exploram o que oferecem de melhor, força, habilidade, energia, nuances na delicadeza. Os bailarinos valem o esforço.

Rodovalho definiu sua coreografia como “a possibilidade de desenvolver um labirinto humano e reflete a situação do preso, do perdido, dentro de um espaço”. Jomar Mesquita retrata as relações em duos românticos, íntimos, às vezes agressivos, mas sempre criativos nas sequências, embalados pela música de Cole Porter, So in Love, repetida obsessivamente.

Nos dias 17 e 18, no mesmo teatro, o Studio 3 Cia de Dança reapresenta, depois de temporada em Paris, Martha Graham -  Memórias. A coreografia de Anselmo Zola tem direção de José Possi Neto e foi inspirado na trajetória da coreógrafa moderna americana. Os 16 bailarinos em cena mostram o universo da dançarina a partir da infância até seu reconhecimento artístico mundial.

IMPORTANTE: Os dois espetáculos contam com o Projeto Escolas de Dança, que oferece uma quantidade de convites cortesias para alunos e professores. Para fazer a reserva: 11 | 3083-0172.

Marcello Castilho Avellar

Marcello Castilho Avellar era crítico de artes do Estado de Minas e faleceu ontem, aos 50 anos, em Belo Horizonte.

Eu não o conhecia pessoalmente, mas acompanhava seus textos, seu interesse pela dança. Com generosidade, olhava a dança como poucos: tinha distanciamento, conhecimento (não apenas de dança), colocações inteligentes e tinha prazer nas palavras. Você podia não concordar com ele, mas suas razões estavam ali, sem ofensas ou maquineísmo.

Recentemente, fez uma crítica ao filme de Marcela Benvegnu e Inês Bogéa, Roseli Rodrigues - Poesia em Movimento. Fará falta.

Meios da dança

O Acervo Mariposa, videoteca pública especializada em dança, que tem à frente Nirvana Marinho, trabalha com a missão de oferecer informação pela imagem, das várias maneiras que o corpo e as cenas podem gerar conhecimento. Hoje, ele lança mais uma frente de atuação, o Rede Dança em Vídeo, com patrocínio da Vivo, através do Programa de Ação Cultural da Secretaria da Cultura - Governo do Estado de São Paulo. O projeto propõe uma rede de vídeos de dança com companhias de grande porte, grupos de danças e artistas independentes do Estado de São Paulo. Todos os artistas podem doar e receber os vídeos de produção regional.

“O projeto traçará uma rede de artistas, grupos e companhias do estado de São Paulo de duas formas distintas. Aquisição por chamamento, contato direto com as companhias listadas em uma pesquisa prévia realizada para o projeto e convocatória para doação de materiais de outras companhias não listadas anteriormente. Qualquer material só será recebido diante da apresentação do termo de autorização com os selos Creative Commons, oferecido pelo próprio Acervo Mariposa em sua página web”, diz Jaqueline Vasconcellos, responsável pela comunicação do Acervo.

Segundo a organização, o objetivo é adquirir em torno de 500 obras, que possam circular entre interessados e artistas. É um importante passo para informação, divulgação e, principalmente, conhecimento da dança no Estado. Para saber mais, acesso o site www.acervomariposa.com.br

Velhos e novos sonhos

Por Flávia Fontes Oliveira

Cosme Gregory, talento brasileiro. Foto: acervo do artista

Cosme Gregory, aos 23 anos, tem um sonho aparentemente comum: ser um bailarino reconhecido pelo seu trabalho, estar em uma boa companhia de dança, ter uma estabilidade financeira para que possa viver. Mas quando falamos em dança, o caminho é mais longo e, por vezes, tortuoso.

Mas Cosme, natural de Natal (RN), está aí para provar que abrir caminhos é possível. Começou e estudar aos oito anos, na cidade onde nasceu, fazendo aulas de danças populares. Apaixonou-se ao observar uma aula de balé clássico.  

Atualmente faz parte Cia. Jovem da Escola do Teatro Bolshoi no Brasil e considera o período que passou pela Escola Bolshoi “um presente”, pelo trabalho artístico e seriedade.

Recentemente, uma experiência com a Cia de Dança Deborah Colker o colocou em um “turbilhão”, nas suas palavras, de tantos aprendizados e sentimentos. Dançou por 15 dias um dos papeis de Tatyana (2011), último trabalho da coreógrafa, na turnê pelo Nordeste. E encantou. É para ficarmos de olho.

naBolsa | Ana Luisa Grecco

Ana Grecco: bolsa de bailarina lotada...

Por Marcela Benvegnu

“Na minha bolsa tem remédio pra dor de cabeça e para cólica (para as alunas adolescentes), grampo de cabelo para mim e lacinhos para o baby class, dois pen drives, um com músicas de balé e outro de jazz dance, minha carteira, agenda, duas sapatilhas, sendo que uma é rosa e outra é preta, e uma necessarie com escova de dente, pasta e protetor solar”.

Ana Luisa Grecco, 32, é professora de balé clássico e de jazz em Jundiaí. "Dar aula é compartilhar com as alunas tudo o que eu aprendi na dança. É aprender com elas a cada dia, conhecendo-as uma a uma e criando um laço vai além dos palcos”, diz.

Esse conluio de corpos em convulsão...

Por Ricardo Mattos*

“A possessão física continuava aí. Este cataclisma que era meu corpo... Após vinte e oito dias de espera, ainda não tinha voltado a mim – ou melhor dizendo, saído até mim. Até mim, esta montagem deslocada, este pedaço de geologia avariada”

Artaud, A Dança do Peiote

Foto: divulgação.

Saía todo desconjuntado... era muito esquisito ainda andarmos equilibrados naquelas duas flâmulas que insinuavam nossas quedas. Parecíamos todos dispormos dos gestos de maneira tão ordinária: um passo após outro... essa marcha simétrica tão pequena diante de suas possibilidades.

Aquelas escadas de saída faziam mesmo parte do cenário: nossos passos teimariam ainda em caminhar ordenados, sem ser assaltados pelos sobressaltos, solavancos dos movimentos aleatórios?

Na soleira do inesperado, a alameda dos sustos, o alarido dos surtos. Aquelas Dobras de Wellington Duarte e Vera Sala me fizeram visitar um corpo flácido, desmontado de suas significações cotidianas; grávido de novos sentidos inaugurados a cada passo. E cada passo era um salto. Entreguei-me a vagar aos tropeços etílicos; a experiência dessas pernas encurtadas que desafiavam o plano monótono das calçadas. Chegavam sempre depois ao chão, um gesto largo das pernas que demoravam no ar e espraiavam no chão desequilibradas, como em um elemento movediço.

Fremia meu corpo com aquele mesmo elemento do espetáculo: a exaustão dos provocadores no palco que contagiava nossos modos e garantia aquele conluio de corpos convulsionando em busca de outros gestos - esses comparsas do cataclisma.

* Texto livre sobre a experiência no espetáculo Dobras (criação, execução e interpretação de Wellington Duarte e Vera Sala), exibido de 08 a 11/09, no Centro Cultural de São Paulo.

Ricardo Mattos é poeta e psicólogo.

Iniciativas

No último dia 14, foi lançado no CEU Paraisópolis, em São Paulo, o Projeto de Ballet Clássico na Comunidade, idealizado pela bailarina e professora Monica Andreatta Tarrragó em parceria com a União dos Moradores e do Comércio de Paraisópolis.

O projeto pretende atender cerca de 300 crianças e o início das atividades está previsto para fevereiro de 2012. Para tanto, todos os pretendentes às vagas precisam estar matriculados no ensino fundamental e ter regularidade nas aulas. Além das aulas, os meninos e meninas terão ações com profissionais do universo da dança, como mestres, bailarinos, músicos, ortopedistas e fisioterapeutas.

O projeto foi aprovado pela lei Rouanet e precisa do apoio fundamental para seguir em frente. 

Sem perder chances

Por Flávia Fontes Oliveira

Paula Penachio em Tchaikovsky pas de deux com Marcelo Gomes
Foto: Willian Aguiar| divulgação 

Paula Penachio não vem de um conto de fadas do balé clássico. Seu físico não é o ideal para a técnica. Aprendeu a superar estas e outras questões apostando em sua musicalidade e interpretação. Aos 25 anos, não perde chances na vida, no caso dela, na dança.

À moda do que declarou Márcia Haydée certa vez, o medo não a paralisa nos momentos decisivos. Se é preciso dar piruetas, ela dá. Se a sequência é rápida, ela finaliza aproveitando a música. Ela resolve e, acima de tudo, dança.

Ao lado de Ed Louzard em Legend (1972), de John Cranko.
Foto: Willian Aguiar

Não por acaso foi a escolhida para ser partner de Marcelo Gomes, em Tchaikovsky pas de deux (1960), de George Balanchine, convidado especial nas apresentações da São Paulo Companhia de Dança, no Teatro Alfa, nos dias 26 e 27, próxima sexta e sábado. Ela integra a São Paulo desde 2008, ano de sua fundação. “É muito fácil dançar com a Paula, ela faz tudo”, diz Marcelo Gomes. “Ela tem uma coisa muito legal que é conectar os passos e dançar”, completa.

Uma das diretoras da Companhia, Inês Bogéa, diz que uma das características da bailarina é usar toda a frase musical. Paula concorda. “Eu gosto de usar a frase até o fim porque, se não, corta o movimento”, diz.

Sobre o novo partner, ela brinca: “É muito fácil dançar com ele, eu nem fico cansada”. Ela se refere à percepção dele de não descuidar da parceria. “Eu nem percebo que, às vezes, não estava no eixo.” Eles criaram uma dinâmica para dançar nos poucos dias de ensaio juntos.

Na sua preparação para este balé, ela conta que, sua tendência, é ser suave. Procurou, nas suas palavras, ser “mais seca e dinâmica para ter mais ataque”.

Não é seu primeiro papel de destaque, já fez o pas de deux principal de Theme and Variations (1946), também de George Balanchine, e Legend (1972), de John Cranko. Aproveita as chances, sempre é possível contar com ela e usa a inteligência para superar fragilidades. 

Claro que Marcelo Gomes é uma grande estrela. Mas, se for ao Teatro Alfa, fique de olho nela também. É uma grande artista.

Sem derrapar nas difíceis sequências de Theme and Variations, de Balanchine.
Foto: João Caldas | divulgação

Dança em família

Por Flávia Fontes Oliveira

Guivalde de Almeida | Foto: divulgação

A Especial Academia de Ballet comemora, neste fim de semana, seus 40 anos, com uma apresentação reunindo antigos e novos bailarinos, no Theatro São Pedro (serviço abaixo), em São Paulo. À frente da escola paulistana hoje está Guivalde Almeida, 40, filho de Aracy de Almeida, quem começou toda a história. Ela ensina dança há quase 50 anos e, apesar de hoje ter deixado a escola por conta do filho, não parou e cuida do Studio Aracy de Almeida, na Praia Grande, litoral de São Paulo.

Em São Paulo, depois de a família vender o prédio de três andares no Tatuapé, onde funcionava a Especial, e ter tentando alguns anos se estabelecer no bairro vizinho da Mooca, este ano voltaram ao primeiro bairro. “O público é daqui do bairro”, diz Guivalde.

A mãe influenciou os caminhos do filho que, nas suas palavras, não consegue “nem dizer o que pesou na decisão”. É o único dos três filhos a seguir os passos da mãe, de quem recebeu sua formação. Sua escola ainda recebe estudantes de dança do Brasil inteiro em busca “da boa base” da escola.

Na entrevista a seguir, que faz parte da série de formadores no Brasil, ele nos conta a importância da informação, da preparação do professor e que o conhecimento, transmitido de corpo para corpo, ainda é fundamental na dança.

Alunos em Joinville
Foto: Espetaculum | Alceu Bett

A escola ainda tem alunos de vários lugares?

Tem sim. Aqui tem o metrô que é mais perto (metrô Carrão), é mais fácil de chegar. Mas, hoje, acho que mudou muito. Quando comecei, as pessoas saíam mais para fazer aulas em outras escolas. Agora tem a comodidade de querer fazer balé perto de casa.

Por outro lado, ainda temos aqui na escola gente do Brasil inteiro: Pará, Mato Grosso, Rio de Janeiro, Bahia, interior de São Paulo, Minas Gerais.

Você é administrador e dá aulas?

Agora eu tenho uma sócia que cuida da parte administrativa. Eu dou aulas.

O que você destaca no papel que a escola vem desempenhando há 40 anos?

A dança, para mim, é muito visual. Eu dou aulas aqui e em outras escolas e sou o mesmo professor. Mas, na escola, sinto que os alunos vêem uns aos outros e, como já passaram excelentes bailarinos por aqui, os mais novos se espelham neles.

Vamos fazer 40 anos e os bailarinos que dançaram conosco estão sempre em contato com a escola e o aluno novo vai criando um patamar de observação, que vai subindo. Eu e minha equipe colocamos uma grande carga de responsabilidade nos alunos que não é todo mundo que agüenta. Mas tentamos mostrar aos alunos que é feito um trabalho muito sério.

Eu costumo falar, quando pais vêm me perguntar, que aqui é uma escola, não damos talento a ninguém, trabalhamos com vários corpos, várias cabeças, formas de pensar. O que podemos dar é formação e o aluno vai ter uma boa base para que ele, se quiser, um dia abrir uma escola ou ser um ensaiador ou atuar em outras áreas porque realmente oferecemos um trabalho de base forte.

Neste trabalho de base oferecido aqui claro que surgiram pessoas extremamente talentosas, que estão dançando por aí. O importante é ter essa responsabilidade, fazer o melhor, não fazer por dinheiro (claro que precisamos sobreviver), mas tem de buscar qualidade, não adianta.

Na sua opinião, ainda existe um determinado tipo físico para a dança?

Quando o balé clássico foi criado, era totalmente voltado a determinado tipo de físico, para determinadas pessoas. A escola de balé foi criada para o rei e fazia balé quem o rei deixasse. Quando surgiram as primeiras escolas pagas, aconteceu uma mudança de mentalidade. As escolas de metodologia, elas foram baseadas em determinados físicos: pessoa precisava ter en dehors, bacia aberta, visualmente com pernas longas, curvatura do pé acentuada, tanto homem quanto mulher, para conseguir uma linha bonita. O mundo foi mudando e as pessoas que não tinham nada disso começaram a fazer balé. O próprio ser humano foi achando um caminho diferente para o balé. Fora do Brasil, nessas grandes escolas, Cuba, Ópera de Paris, Rússia, eles têm o hábito de trabalhar com este determinado físico. Eu acho que o professor brasileiro sai na frente porque precisa trabalhar com vários tipos de corpo. Por exemplo, se eu trago um professor da Ópera de Paris para preparar alguns alunos meus, ele terá dificuldades. Como trabalhar uma pessoa que não é en dehors, que não tem perna alta?

Como é ser professor hoje?

Para mim, hoje é inaceitável um professor não buscar informação. Se a pessoa não aprende balé direito, ela pode ter sérios problemas físicos. Antigamente você até conseguia enganar o seu aluno, hoje não dá. Claro que sempre vou fazer o que eu acredito que seja o melhor. Eu sou professor, é o meu trabalho. Mas eu sinto na aula que os alunos me cobram, pelo menos aqui na escola. Eles fazem três aulas por dia, clássico, contemporâneo, pas de deux, ensaiam, tomam bronca o dia inteiro. Se você está na sala de aula, eles estão exigindo, exigindo. O professor tem que estar ligado em tudo, tem que estar 100% com seu trabalho.

Aluna da Especial | Foto: divulgação

Com tanta informação disponível, o que o professor ensina?

O balé não é fazer, mas como fazer. Eu não fui bailarino profissional na minha carreira, estudei balé, mas eu achava e minha mãe também que não tinha talento para seguir carreira. Eu me especializei em dar aula.

Eu faço montagens de balé hoje e, se eu não tivesse vivido na pele, ouvido o ensaiador falar, visto pessoas fazerem do meu lado, eu não teria capacidade de fazer.  O importante é saber o que você está dançando, qual a história que está dançando, o que você está querendo me dizer. Porque o balé clássico não é uma arte só física. Um bom bailarino transcende o que ele faz.

Se o coreógrafo ou o professor não passar ao aluno o que tem a dizer ou o que quer dizer com isso, vai ser uma coisa chata. Se ele não sabe o que está fazendo com aquilo, não é natural.

Por exemplo, Giselle tem uma história. Não adianta, a bailarina fazer sautée na ponta, fazer um penché lindo e não expressar nada. Se você sentar uma hora e meia em um teatro para assistir a Giselle e os bailarinos não saberem o que estão fazendo ali, é muito chato.

Com tanta informação, muitos bailarinos já sabem as coreografias, mas ter informação é uma coisa e como a pessoa usa isso para ser um bailarino, é outra. Todos precisam de uma direção para orientar a carreira.

Antigamente, por exemplo, muito se falava em Margot Fontain, mas poucos a tinham visto dançar, as grandes estrelas eram pessoas muito distantes da nossa realidade. Hoje todos sabem quem é Makarova, Para mim, existe um lado ruim, as pessoas acabam banalizando a informação.

E o papel do professor?

Nós temos um papel muito difícil, o professor vende um sonho. Como posso falar para o aluno: entra no balé que você vai ser bailarino(a)? As pessoas nem imaginam como é nosso mundo.

Tem criança que, quando é pequena, é uma graça, de repente, ela vai ficando grande, vai ficando feia, não sobe na ponta mais. E tem criança que você não dá nada e vai se desenvolvendo de uma forma linda.

Para mim, a dança está 90% na cabeça. Claro que você tem que ter uma mínima proporção física para dançar, a mínima estética para entrar em um palco. Mas a cabeça muda até o seu corpo porque a pessoa trabalha de uma forma que sempre vai saber mostrar o que tem de bonito.

Às vezes a pessoa tem um físico lindo, tudo lindo, mas a cabeça não funciona e ela nunca vence. Claro que o físico é importante, mas o bailarino de cabeça boa chega longe, tem mais resultados do que outros dentro de uma companhia. O professor, diretor coreógrafo sempre vai preferir trabalhar com alguém que dê retorno a ele.

O que você gosta de uma sala de aula?

Eu gosto de trabalhar com gente que está interessada em aprender. Mas o que gosto de trabalhar em sala de aula é a parte de cima do corpo, o tronco. Acho que o bailarino tem que ter braços lindos. Eu valorizo muito o aluno que sabe se movimentar, que usa a lateralidade do corpo, que usa os braços de forma bonita, não faz apenas os passos, tripla pirueta, grandes saltos. É importante porque a técnica um dia falha, mas, se você é um bailarino bem preparado na forma de dançar, na forma de se movimentar no espaço, você sempre vai dançar bem.

O que te emociona?

O que eu queria era um dia sentar em teatro e não saber nada de dança, queria só sentir o que as pessoas sentem, elas não ficam vendo se o pé está “solto”, se não está rodando. Quando consigo me sentar e me desvencilhar de tudo que eu fico olhando, o balé em cena me emociona. Também me emociona bailarino que dança com a alma.   

E na sala de aula, o que te emociona?

Quando você consegue atingir seu objetivo. O trabalho de dança traz resultado a longo prazo. Para a geração de hoje, tudo é muito fácil: quando a escola pede um trabalho, o aluno entra na internet e está praticamente pronto. Mas na arte, em geral, tudo é a longo prazo. Se alguém quer ser um bom pianista, não dá para fazer oito anos de aula e achar que é bom pianista. Um problema aqui na Escola, e acho que mundial, é que as pessoas acham que fizeram um ano de balé e já sabem. O professor olha para a pessoa e sabe que ela não está nem engatinhando no balé. Por isso, o que me emociona na sala de aula é que depois de muito trabalho, você vê resultado.

Aqui na escola temos pré-profissionais, ainda não temos profissionais, e é muito legal trabalhar com essa faixa porque você vê a mudança deles. , é muito bom, compensador.

Qual a preparação do bailarino na escola?

Depende do nível. Os níveis mais avançados, depois do sexto ano, fazem aulas diárias. O avançado tem duas aulas de balé por dia, fazem aulas de contemporâneo duas vezes por semana, aula de ponta uma vez por semana, adágio, pas de deux e aula de variação clássica (repertório). É um trabalho grande, de muita dedicação, são pelo menos 4 horas por dia.

  

Você dá aulas para todos os níveis?

Por incrível que pareça, eu acho muito difícil ensinar o passo. Têm pessoas especializadas para isso. Se em uma aula você faz um assemblé, uma criança de nove anos vai te copiar. Eu mostro e a criança copia, mas o professor para esta idade tem que ser especializado em ensinar, como faz, empurra o pé no chão, tem exercícios preparatórios para você fazer determinados exercícios. Para dar aula para crianças, você precisa ser especializado nisso. Isso é muito importante porque o bailarino não chega no nível adiantado cheio de vício, porque o bailarino com vício é pior do eu o que não sabe nada.

Como você foi parar na dança?

Pela família. Eu sou o único dos três filhos que seguiu a carreira. Desde que me conheço por gente, estou em uma sala de aula. Não sei nem falar o que pesou na minha decisão. Sempre acompanhei minha mãe. Eu me lembro que, com nove anos, via todos os balés que passavam pela cidade.

Comecei a fazer aula com mais ou menos 10 anos. Não segui carreira de bailarino porque para os padrões atuais, eu era baixo e ia encontrar muitas dificuldades. Minha mãe me desencorajou, não sei se foi bom ou ruim. Mas logo comecei a gostar de corrigir, eu sempre gostei de estudar. Minha vida é balé, é dança, o tempo todo é livro, DVD. Se estou escutando música, estou pensando em balé, pensando em espetáculo, produção.

Remontagens | Foto: divulgação

Vocês se dão bem em sala de aula?

Ela sempre foi muito exigente e acho que estou mais bravo agora. Ela é muito humana. Tem coisas que ela entende e eu não quero entender ainda (risos). Mas somos mãe e filho. Em sala de aula, eu falo mãe. “Oh, mãe” (risos).

Aqui você segue algum método?

O método que eu dou aprendi com minha mãe. O método que minha mãe aprendeu é uma junção métodos, entre eles, Cechetti (italiano) e Vaganova (russo).

Aqui na escola, vivemos em discussão dos passos. Nossa escola não faz o método Royal, mas preparamos os bailarinos para os exames. Ele tem um lado bom, ele limpa muito o aluno, ele obriga que determinados exercícios sejam muito bem feitos. Eu não concordo com muitas coisas, mas tem este lado.

Temos também muito contato com a escola cubada porque fomos a primeira escola brasileira a fazer intercâmbio. Eu aprendi muito com ela também.

Serviço: Theatro São Pedro - Rua Barra Funda. 171. Dias 20 e 21 de agosto, às 20h30.

Informações: 11 3667-0499

Ingressos: 4003-1212 www.ingressorapido.com.br

As Bruxas de Eastwick estreia em SP

Por Marcela Benvegnu

Eles prometem inteligência, assim como foi a montagem do musical My Fair Lady no Brasil. Prometem coreografias vibrantes, talvez esse seja o caso da versão de Cats por aqui. Também incluem no pacote músicas boas, sim o recente New York, New York trouxe isso aos palcos. Também prometem um voo das protagonistas sobre a plateia. Uau! Já estamos na Broadway com o musical mais caro da história: O Homem Aranha. Em musicais, novidades são realmente difíceis, porém, a expectativa para a estreia de As Bruxas de Eastwick, no domingo, dia 14, no Teatro Bradesco (Bourbon Shopping), é grande.

Clara Gueiros e Eduardo Galvão: protagonistas (foto: Divulgação)

Finalmente o mercado dos musicais está aquecido no Brasil. Sai um, entra outro, produz outro, faz audição para outro. Vem aí Cabaret (estrelado por Claudia Raia), A Família Addams (no papel de Mortícia, Marisa Orth), Priscilla – A Rainha do Deserto, que ainda está em processo de audição, Hair... Os artistas, cada vez mais múltiplos e versáteis, estão tendo onde e como trabalhar para poder falar que vivem de arte, dança, canto, atuação. Se faz musical (e bons musicais) no Brasil.

As Bruxas de Eastwick, adaptação do filme homônimo (1987), baseado no livro de John Updike (1984), já foi montado na Inglaterra, Estados Unidos, Austrália, Rússia e República Tcheca. Com letras de John Dempsey, música de Dana P. Rowe e coreografias de Alonso Barros (brasileiro radicado em Viena), a versão brasileira é assinada pelo renomados Cláudio Botelho e Charles Möeller. A dupla, que ganhou livro biográfico -  Os Reis dos Musicais (Tânia Carvalho, Imprensa Oficial) – já esteve à frente de outras importantes montagens de musicais no Brasil - Sweet Charity, A Noviça Rebelde e Avenida Q.

As Bruxas conta a história das amigas Alexandra (Maria Clara Gueiros), Jane (Sabrina Korgut) e Sukie (Renata Ricci). Entediadas e frustradas com a pacata rotina da cidade de Eastwick elas dividem o desejo pelo homem que consideram ideal e vêem suas esperanças renovadas com a chegada à cidade do misterioso Darryl Van Horne (Eduardo Galvão). Extremamente sedutor, ele se envolve com as três e desperta em cada uma a necessidade de liberar os “poderes” que tem dentro de si. O comportamento nada ortodoxo do quarteto escandaliza a cidade. Os poderes e eventos que desencadeiam são cada vez mais sinistros e fora de controle. Quando Alexandra, Jane e Sukie percebem que a influência de Darryl corrompe a todos que com ele tem contato, resolvem usar aquilo que aprenderam (com ele) para exterminá-lo de suas vidas.

Segundo Botelho, “é um espetáculo completamente novo e diferente de qualquer montagem anterior feita pelo mundo”. “Além da direção totalmente nova, 15 cenários de grandes dimensões e 250 figurinos foram criados especialmente para a produção brasileira. Fizemos adaptações no texto e nas músicas. Esta última versão da peça tem canções que não foram usadas nas montagens internacionais” completa.

A crítica sobre o espetáculo deve ser publicada aqui, na Revista de Dança, na semana que vem.

PARA VER -  As Bruxas de Eastwick (Teatro Bradesco - Bourbon Shopping São Paulo - Rua Turiassú, 2100, 3º piso, Pompéia).  Estreia dia 14 de agosto até 11 de dezembro. |  Quinta e sexta, 21h. Sábado 17h e 21h e domingo 16h e 21h. |Ingressos custam de R$ 10 a R$ 180.   www.ticketsforfun.com.br

Deus está nos detalhes

Por Flávia Fontes Oliveira

Marcelo Gomes em aula na SPCD.
Foto: Divulgação | SPCD

Em uma só sequência de saltos, ele mostra a que veio. Para a dança, o manége é um do tour de force masculino presente em muitas variações. Grosso modo, são os saltos ao redor do palco que os homens dão. Força, impulso, leveza, flexibilidade, a combinação esperada, quase vulgar (no sentido de comum), mas de difícil equação, por vezes, ímpar.

Marcelo Gomes, bailarino entre os principais do American Ballet Theatre, brasileiro de Manaus, ensaia no Brasil para duas apresentações com a São Paulo Companhia de Dança, no Teatro Alfa, na temporada de 26 a 28 de agosto, o balé de 1960 de George Balanchine, Tchaikovsky pas de deux. Para além da precisão, chama atenção a matemática do corpo, a inteligência específica da dança, o detalhe do braço, um salto mais alto, a suavidade nas realizações difíceis.

Ele também é gentil. Pergunta à parceira, também linda bailarina Paula Penachio (aguardem um perfil), como pode ajudá-la, propõe soluções aos dois.  Ele respondeu três perguntas à Revista de Dança, em primeira mão.

 Com Paloma Herrera em O lago dos cisnes. 

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Depois ser reconhecido no mundo como grande bailarino e partner, o que te faz vibrar no palco?

Marcelo Gomes: São várias coisas emocionantes para mim no palco. Não só todo trabalho que de ensaios, de suor, de emoções você que vive no estúdio, o tempo que dedica para colocar um balé, uma coreografia no palco até o aplauso e reconhecimento do público. Isto faz com que o artista continue. O aplauso alimenta a alma ainda para mim. Além disso tudo, eu gosto muito de contar uma história, isso para mim ainda me faz querer estar no palco sempre.

Mesmo que a história se repita?

Marcelo Gomes: Agora nunca é a mesma história. Tentamos tirar um pouco daqui, colocar um pouco lá. O que vai me inspirar desta vez que faço O lago dos cisnes ou Tchaikovsky pas de deux? Tentamos ser o mais espontâneo possível.

Qual é seu grande papel?

Marcelo Gomes: Desde pequeno, vejo vídeos de Giselle (1841, coreografia de Jean Coralli e Jules Perrot). Quando fiz o príncipe Albretch, foi um momento especial na minha vida, por ser um papel que sempre quis fazer e, no palco, quando o fiz pela primeira vez, não acreditava. Minha mente saiu do meu corpo e me vi ali sentado. É um papel que gosto muito de fazer e já está diferente da primeira vez que fiz. 

Telas em movimento: Vila Tarsila com a Cia. Druw

Por Marcela Benvegnu

Vila Tarsila com a Cia. Druw | Crédito: Divulgação

O final de semana de (e na) dança em São Paulo tem opções para todos os gostos e idades. O Grupo Corpo está em cartaz no Teatro Alfa com a estreia de Sem Mim, de Rodrigo Pederneiras, e a Cia. de Dança de Diadema também estreia Paranóia, de Ana Botosso e elenco, no Sesc Vila Mariana. Enquanto isso, o Teatro Vivo recebe a partir de hoje, Vila Tarsila, espetáculo de dança contemporânea infanto-juvenil da Cia Druw, com concepção de Miriam Druwe e Cristiane Paoli Quito.

A coreografia, assinada por Miriam, tem como mote as memórias de infância da pintora Tarsila do Amaral e remonta sua trajetória criativa, desde suas primeiras impressões sobre cores e formas até as origens dos elementos que influenciaram diretamente sua criação artística. A coreografia transporta o espectador ao mundo antropofágico da artista, demonstrando que sua obra nasceu das experiências visuais das inúmeras viagens realizadas e das brincadeiras na fazenda onde vivia em Capivari, interior de São Paulo.

A diretoras buscaram referências em algumas telas da pintora modernista para inspirar os seis bailarinos/intérpretes-criadores e a atriz Luciana Paes. “Depois de Lúdico (espetáculo anterior de dança infanto-juvenil inspirado nas obras do pintor russo Wassily Kandinsky), tivemos a ideia de pesquisar um pintor brasileiro, daí surgiu o nome da Tarsila do Amaral. Não tenho uma fórmula para coreografar para crianças, apenas tenho o desejo de explorar essa junção de linguagens. Adoro o que faço, é uma necessidade, acho que por isso que tem dado certo, pois o impulso é movido pela vontade de se cumprir um caminho. Sei que tenho que criar para crianças, elas me curam, é retorno sincero, energia que flui. É muito instigante”, fala Miriam. 

Segundo Miriam, produzir para crianças é um espaço a mais que se abre na Cia Druw. “Paralelamente ao trabalho de bailarina e coreógrafa, sempre estive envolvida em projetos ligados à criança. Durante 15 anos,  fui voluntária coordenando um projeto de dança em Interlagos. Foi um período muito especial da minha vida” ressalta a coreógrafa, que também tem um projeto para o público adulto . “Sinto que minha pesquisa sobre Van Gogh tem muitos subterrâneos a serem explorados. É sombra e luz o tempo todo em pinceladas alternadas. O elenco está muito envolvido, estudando muito”, diz.

Em Vila Tarsila, os cenários e figurinos são de Marco Lima e a trilha sonora original de Natália Mallo foi inspirada na obra de Villa-Lobos.

Paralelamente às criações, Miriam foi convidada, no ano passado, para dirigir o primeiro Corpo Estável de Dança do Teatro Municipal de Jundiaí. “O contrato é por um ano e faremos uma produção para 18 de dezembro, aniversário de 100 anos do Teatro Polytheama. Este projeto foi idealizado pelo ex-diretor do Teatro Municipal Wagner Nacaratto, que propôs o projeto dos Corpos Estáveis de teatro, dança e orquestra. Um importante acontecimento para a cidade. As inscrições foram feitas por um edital no final de 2010 e foram contratados sete bailarinos e dois estagiários que recebem salário pela prefeitura.”

ELA – Miriam Druwe tem uma trajetória extensa na dança brasileira. Premiada pela APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte) como melhor bailarina em 1993, dançou profisionalmente no Balé da Cidade de São Paulo e na Cisne Negro Cia de Dança. Já trabalhou ao lado de grandes ícones como Luis Arrieta, Ana Mondini, Vitor Navarro, Vasco Wellemcamp, Gigi Caciulenou, Ismael Guiser, Sacha Svertlof e outros.

PARA VER – Vila Tarsila, com a Cia. Druw. De hoje a 28 de agosto e dias 3 e 4 de setembro. Sábados, às 16h e domingos, às 15h, no Espaço Cultural Vivo (avenida Dr. Chucri Zaidan, 860 | Morumbi). Entrada gratuita. Mais informações: (11) 7420-1520

O mar sem fim do Grupo Corpo

Por Flávia Fontes Oliveira

Sem mim, novo trabalho do Grupo Corpo
Fotos: José Luiz Pederneiras

Em Sem mim, o Grupo Corpo renova seu compromisso de um modo de ver e fazer dança. A coreografia é um passo, não uma ruptura declarada, ou, antes, uma onda, para usar a inspiração desta nova criação de Rodrigo Pederneiras, o mar, com cenografia e iluminação de Paulo Pederneiras e figurinos de Freusa Zechmeister, com estreia para amanhã, dia 4, em São Paulo, no Teatro Alfa, com apresentações até 14 de agosto, e depois segue turnê nacional (veja serviço abaixo).

Os tradicionais e belos pas de deux
de Rodrigo Pederneiras

Já tradição nos trabalhos da companhia, a música serviu de guia. Neste caso, a ideia veio das sete canções do Ciclo do Mar de Vigo, de Martín Codax, do século XIII – testamento e sobreviventes da tradição da região na época, o trovadorismo nas chamadas “canções de amigo”. A partir deste conjunto de canções que chegou aos nossos dias, José Miguel Wisnik e o Carlos Núñez, ele também de Vigo, assinam a trilha original, com vozes de Milton Nascimento, Chico Buarque, Mônica Salmaso, Ná Ozzetti, Rita Ribeiro e Jussara Silveira, além do próprio Wisnik.

Nestas cantigas de amigo, Codax fala em nome de jovens apaixonadas que choram a ausência do amor ou celebram o possível regresso do amado. Confidenciam-se e banham-se nas ondas do mar. Desta lírica, Rodrigo Pederneiras trouxe para seus movimentos referências do mar, entre sua calmaria e fúria, no vaivém das ondas, traduzidos, por vezes, em elementos femininos e masculinos.

Desde que imprimiu sua marca, privilegiando um corpo e um movimentar brasileiros – brincando com o balanço dos quadris quase despudoradamente sem rechaçar a finura clássica –, o Grupo não dispersou, com todas as suas implicações. Com isso e por isso, continua ajudando a sustentar a dança brasileira.

É uma grande história e, sem qualquer dúvida do acabamento dos espetáculos, vale a pena assistir ao que o Grupo Corpo tem a dizer.

A coreografia tem trilha de José Miguel Wisnik e Carlos Núñez

Serviço:

São Paulo | Teatro Alfa, de 4 a 7 e 10 e 14 de agosto

Belo Horizonte | Palácio das Artes, de 17 a 21 de agosto

Rio de Janeiro | Theatro Municipal, de 25 a 29 de agosto

Brasília | Teatro Nacional, Sala Villa-Lobos, de 10 a 13 de novembro

Imagens que dançam: Roseli Rodrigues – Poesia em Movimento

Por Marcela Benvegnu

Fiz contagem regressiva para dia 27 de julho. Nunca pensei em fazer um filme. Achei que fosse lançar um livro antes. Engano meu. A vida nos leva para outras, diferentes, deliciosas e desafiadoras coreografias. Daqui algumas horas, no Festival de Dança de Joinville, na Feira da Sapatilha, às 17h30, lanço em parceria com a Inês Bogéa, o documentário Roseli Rodrigues – Poesia em Movimento. 

O filme de 24 minutos aborda de forma clara e poética a trajetória coreográfica de Roseli Rodrigues, um dos maiores nomes do jazz dance no Brasil, e conta com depoimentos de Edy Wilson, Andrea Spósito, Isabella Rodrigues, Kika Sampaio, Fabio Namatame, Maurício Pina, Luis Arrieta, Edson Claro, Ely Diniz, Carlota Portella e meu. 

É um trabalho coletivo de artistas. O Festival de Joinville é o patrocinador do projeto e a Só Dança assina o copatrocínio. Todos acreditaram e se mobilizaram para compor essa coreografia de imagens e memórias. A concepção é minha e da Inês, mas o filme pertence a todos. Como ela diz, “a autoria está no olhar, na edição das falas, imagens, sensações e desejos”. O vídeo – que tem legendas em inglês - será distribuído gratuitamente para escolas, universidades, ONGs e bibliotecas no Brasil e tem uma particularidade interessante, o formato: um livreto que contém o documentário. O texto contextualiza a história de Roseli que é contada por muitas vozes no vídeo e ambos dialogam todo o tempo para que todos possam dançar com as palavras e imagens. 

EXPECTATIVA - Muitas pessoas estavam me cobrando aqui no blog, depois de um hiato de sumiço, viagens internacionais e muitos espetáculos da São Paulo Companhia de Dança, um texto sobre o filme, principalmente a Flávia Fontes, minha sócia na Revista de Dança. Algo que apresentasse um pouco do documentário, mas que também falasse o que eu estou sentindo. Ansiedade? Medo? O coração pulsando na boca? Expectativa? Não consigo definir. 

Pensei num texto (em vários), caso eu tenha que falar alguma coisa durante o lançamento, porém, não tenho mais ideia de como ele começa.  Fico imaginando como vai ser, quem vai estar, se vai dar tempo de todos chegarem. O que será que Roseli Rodrigues diria sobre isso e como aqueles olhos azuis reagiriam em ver sua história contada pelo olhar de outras pessoas em 24 minutos? 

Respondendo uma entrevista para o próprio Festival de Dança sobre o documentário essa semana, me dei conta de que não encarei sua morte. Talvez eu não encare. Ela ainda está viva no meu corpo, no corpo de quem passou pelas salas de aula em que ela estava à frente, nas suas coreografias. Está viva no jazz que fazemos. Então como encarar a morte?

IDENTIDADE - Esse projeto nasceu de uma conversa, minha e da Inês, sobre a importância do jazz e sobre as personalidades da dança que transitam nesse gênero. Me questionavam quando eu iria publicar a minha pesquisa sobre o estilo, e quando a Inês iria fazer um documentário sobre a Roseli. Três meses depois juntamos as vontades. Em junho de 2010 formatamos o projeto e começamos a pensar em mecanismos para conseguir patrocínio. Em julho apresentamos a ideia ao Raça, em agosto enviamos a proposta para o Festival de Dança de Joinville e para a Só Dança.

Inês e eu doamos o nosso trabalho e tivemos parceiros excepcionais, como a Associção Pró-Dança e a ARN, caso contrário, não seria possível realizá-lo. Fizemos as gravações dos depoentes em dezembro e esse foi um dos momentos mais especiais, pois foi um reencontro com a história da Roseli de outros modos, no olhar de outras pessoas, de outras vozes que também ajudaram a construir a história do Raça e do jazz. Em janeiro de 2011, começamos o processo de edição, escrevi o texto do livreto e juntas escolhemos as fotos, enviamos para revisão, diagramação e tradução. Finalizamos em abril.  

Trabalho com a Inês diariamente há quase dois anos e não tem um dia que ela não me ensine algo novo. Temos uma parceria forte, de trabalho, de respeito, de amizade. Encaramos a dança do mesmo modo e acreditamos que seja preciso registrar a memória para que possamos olhar para a história da dança do Brasil. Nesse documentário a levei para o mundo do jazz e ela me levou para o mundo do vídeo. 

Nas palavras dela, o documentário “é um presente da dança para a dança”. Eu concordo, mas, para mim, também é a certeza de que o estilo que eu escolhi para dançar e estudar tem caminhos que jamais pensei em desvendar e que precisa ser registrado. 

O nosso jazz também se dança de outros modos. Está tela. A gente sente na alma. Se mostra vivo. Me faz ver e entender a minha dança, seja ela no texto, na fala ou no movimento. É também o meu espelho. Que chegue logo 17h30 e essa dança com a voz da Roseli, seus cabelos vermelhos e olhos azuis, se espalhe, para que todos sintam o poema em movimento.

Sapateado em boa companhia

Por Flávia Fontes Oliveira

Chris Matallo, multiartista
Foto: divulgação

Christiane Matallo é artista múltipla. Além de sapateadora, é musicista e canta muito bem. Participou recentemente do musical New York, New York e agora, de Joinville, onde é jurada do Festival de Dança, conta um pouco sobre encontros e o crescimento do sapateado.

Para você, o sapateado tem crescido nos últimos anos?

O sapateado cresceu tanto em quantidade de pessoas que querem aprender este gênero quanto o crescimento técnico e artístico. Sinto que muitos sapateadores estão em busca de mais conhecimento. Mas me preocupa também as novas gerações que querem resultados imediatos, tudo leva tempo, especialmente para encontrar seu próprio estilo e para adquirir maturidade artística.

 

O que é importante destacar em um Festival de Dança?
O mais importante e o intercâmbio. A troca entre professores, alunos, interpretes, plateia, espectadores. Joinville mudou muito em relação aos anos iniciais. Antigamente víamos o festival como uma grande competição. Com o tempo, ele trilhou um caminho e tomou um corpo de um grande mundo da dança, onde há oficinas, mostras paralelas, os palcos abertos. Na própria noite competitiva, hoje, o jurado é um grande mediador, que no dia seguinte troca idéia com os representantes das obras coreográficas para que os artistas realmente saiam mais amadurecidos.

Um olhar para jovens bailarinos

Por Flávia Fontes Oliveira

Coreógrafa Daniela Cardim é jurada em Joinville.
Foto: Angela Sterling 

Há um grande número de pessoas envolvidas nas escolhas de um festival. A Revista de Dança, para acompanhar o Festival de Joinville, entrevistou alguns dos jurados para saber qual é o olhar deles sobre os bailarinos.

A primeira entrevistada é Daniela Cardim, talentosa bailarina e coreógrafa brasileira. Atualmente, ele vive em Londres e cursa a faculdade de Arts Management. Dançou por cerca de dez anos no Het Nationale Ballet, na Holanda. No Brasil, em 2009, coreografou Passanoite, para a São Paulo Companhia de Dança. Recentemente fez um trabalho para o workshop coreográfico do English National Ballet, a convite do diretor Wayne Eagling. Em setembro, também fará algo para a Ópera de Amsterdam.

Em Joinville, ela participa do júri de Balé Clássico e também está na comissão responsável por assistir ao Festival inteiro e premiar o melhor bailarino, bailarina, grupo, coreógrafo e revelação.

Ela conta neste início que “o Festival já está fervendo”. A seguir, conheça mais um pouco sobre o que ela pensa e enxerga na dança.

Para você, o que é importante observar em um festival?

Para mim, o Festival de Dança de Joinville é uma vitrine para observar a Dança em todo o Brasil. Como estou há muitos anos fora, quando vim ao Festival ano passado, fiquei feliz em observar que o nível da dança brasileira se elevou e não está atrás de outros países da Europa. Claro, há diversos níveis, mas os vencedores do Festival estão com um nível internacional. 

O Festival também é uma oportunidade única de trocar ideias com profissionais de outros estados e outras áreas de dança que admiro, mas conheço menos, como danças populares e danças urbanas.

O que você olha em um bailarino?

Observo em um bailarino a técnica e o físico, mas também a sua capacidade de interpretar a obra e acrescentar um algo a mais à coreografia. Esse fator é' o diferencial, pois técnica e físico são exigências concretas do balé clássico, mas a interpretação, o carisma e a inteligência no movimento dão ao bailarino a possibilidade de se destacar e diferenciar.